Auf der Biennale in Venedig, Wäschereien oder Schwimmbäder für zeitgenössische Kunst

Venedig – Ein wenig verloren im Gehirnnebel der Zeit, aber im März 2020 tauchte eines der ersten Meme der Coronavirus-Pandemie aus den ruhigeren Gewässern dieser Republik auf. irgendein Gauner Poste ein Bild von Delfinen Schwäne sollen im Bacino di San Marco schwimmen und den unberührten blauen Canal Grande hinunter segeln. Menschen weg, Venedig war ein Naturparadies! Die Stadt, die Henry James sein „Lagerhaus des Trostes“ nannte, wurde auf eine teilbare Größe komprimiert: eine wässrige Utopie, sichtbar auf einem Touchscreen, als das Virus auf uns zukam.

Delfine Es war ein Scherz. Aber das Gefühl, dass die Menschheit der Feind des Lebens und der Schönheit ist: Dieser Teil mag wahr sein, nach den grübelnden, verwirrenden und weitschweifigen Vorschautagen der Biennale in Venedig 2022. Die älteste und berühmteste internationale Ausstellung zeitgenössischer Kunst der Welt wurde eröffnet am Samstag nach einjähriger Verzögerung, kaum angeführt von der Pandemie, wieder öffentlich zu machen, um die Ausstellungsgröße oder die subjektive Bedeutung der Besucher zu reduzieren. Ja, Mitte April sind die Menschenmassen in Venedig etwas dünner als eine Zecke. (Ich beschwere mich nicht.) Ja, der Anteil an Riesenyachten ist etwas zurückgegangen. (Ich beschwere mich sicherlich nicht.) Es ist immer noch ein Gewehr, obwohl die Biennale immer noch eine entzündlichere künstlerische Mischung aus kreativen Köpfen, unglaublichem Reichtum und einer globalen Kultur ist, die sich auf den Weg in die Zukunft macht.

Für Neuankömmlinge am See ist A Brief Primer: The Venice Biennale eine Show aus zwei Hälften. Sie besteht aus einer großen internationalen Ausstellung – dieses Jahr ist es die 59. Ausgabe; Das erste war 1895 – das die Temperatur der zeitgenössischen Kunst misst, zusammen mit mehr als 90 Pavillons, in denen Staaten ihre eigenen Shows organisieren. Diese Pavillons präsentieren oft Einzelausstellungen; Der diesjährige US-Pavillon ging an den berühmten Bildhauer und Töpfer Simon Lee. Darüber hinaus öffnen die vielen Museen Venedigs während der Biennale die Türen zu ihren größten Ausstellungen, während Kaufleute, Institutionen und Angestellte ein Herrenhaus am Kanal für Pop-up-Exponate vermieten, die von Museumsqualität bis hin zu Bargeld und Tragetaschen reichen.

Die Hauptshow in diesem Jahr, organisiert von Die in Italien geborene Cecilia Al Yamani wurde in New York geborenist höchst umstritten und oft erfolgreich. überwältigend Bei den weiblichen Teilnehmerinnen sind Surrealismus, Cyborgismus, Tier- und Pflanzenwelt die Hauptthemen. In der Hauptausstellung gibt es absolut hinreißende neue Gemälde der New Yorkerinnen Amy Silman und Jacqueline Humphries; Das Die letzten Werke von Carrie Upson, der äußerst ehrgeizige Künstler aus Los Angeles, der letztes Jahr starb; und faszinierende historische Einträge von übersehenen Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts, viele Italiener, alle Frauen. Ich werde nächste Woche eine vollständige Rezension von Al Yamanis Ausstellung veröffentlichen, obwohl ich das jetzt viel sagen werde: Ihr feministischer, surrealer und ökologischer Ansatz hat eine kohärente und herausfordernde Show hervorgebracht, deren optimistische Vision der Befreiung durch Vorstellungskraft hübsch erscheint selten heutzutage.

Aber die patriotischen Präsentationen sind die schlimmste Kombination, die ich in meinen 20 Jahren Biennale-Besuch gesehen habe: ein Albtraum der Garibaldi-Straße aus halbherzigen Konzepten, vulgärer Keramikskulptur, bahnbrechender politischer Wertung und mindestens einem Geschlecht, das eine Pfütze umarmt. Große Künstler wie Maria Eichhörnein einfühlsamer Analytiker künstlerischer Institutionen, des japanischen Theaters und der kollektiven Technologie Dumb Type, machen sie einige der weniger interessanten Arbeiten ihrer Karriere.

Bahnbrechende Überraschungen wie die gewaltige Klimaoper „Sun and Sea (Marina)“ Im litauischen Pavillon der neuesten Ausgabe, ist nirgendwo nachweisbar. Junge Künstler stehen einer nach dem anderen gegenüber. In den Pavillons Serbiens und Italiens treffen wir auf Fernansichten des Himmels, der auf das Meer trifft, ein Bildschirmschoner, der an Migration und Verlust erinnert. Wenn Sie nicht „kritisch“ sind oder bereits vorhandenes Material „in Frage stellen“, müssen Sie lustige, leere Häuser wie das dänische Uffe Isolotto schaffen, das hochrealistische Skulpturen toter Zentauren inmitten des säuerlichen Heus platziert, oder Österreich Jacob Lena Nebel und Ashley Hans Scherl, Ihre weichen Skulpturen haben ein Farbschema, das eher für „der Preis stimmt“ geeignet ist. Venedig ist eine Stadt, in der die Gegenwart seit 500 Jahren der Vergangenheit nicht gerecht wird. In diesem Jahr schlägt die Gegenwart so richtig in die Hose.

Nach meiner Zählung haben sich nur Künstler auf den nationalen Flügeln dieser Gelegenheit gestellt. Einer ist Majorzata Mirja Tas, ein Künstler aus Rom, füllte den polnischen Pavillon mit einem 12-teiligen Wandteppich, dessen Bilder der Roma-Einwanderung und des täglichen Lebens durch endlose Fetzen von genähten Stoffen, Paisley, Spitze und Sackleinen miteinander verflochten sind. (Mirga Tas ist die erste Künstlerin aus Rom, die Polen hier vertritt.) Seine lebhaften Szenen mit Schützen, Gitarristen, Aktivisten und Sargträgern haben eine Erhabenheit, die den Fresken in dieser Stadt ähnelt, die schließlich auf diejenigen angewendet werden, die an den Rand gedrängt werden. Europäische Geschichte.

das andere Stan DouglasVancouvers überragende Brillanz in Fotografie und Videokunst, die sich mit den grenzüberschreitenden Aufständen von 2011 befasst (Arabischer FrühlingUnd Unruhen in LondonUnd Besetzen Sie die Wall Street) in einem geteilten Beitrag zwischen dem Kanadischen Pavillon und dem Alten Salzlager. Sorgfältig orchestrierte grafische Rekonstruktionen dieser Aufstände von 2011 machen Occupy und den Arabischen Frühling zu Geschichte, aber ein Zwei-Bildschirm-Video mit dem Titel „ISDN“ offenbart Douglas‘ intensive Fähigkeit, die Gegenwart durch fantasievolle Eingriffe in die Vergangenheit neu zu gestalten.

Hier sehen wir zwei in London ansässige Dirt-Künstler und zwei in Kairo ansässige Rapper eines verwandten ägyptischen Stils, die einen aufregenden grenzüberschreitenden Anruf und eine Antwort teilen. Aber dies ist so viel mehr als nur ein Musical: Douglas hat Texte und Basslinie separat mit 140 Beats pro Minute aufgenommen, und ein Algorithmus schneidet und fügt britische und ägyptische Klänge zu einer immer neuen Performance zusammen, einer imaginären Gemeinschaft, die durch Musik und Glasfaser geformt wird. optische Kabel.

Unter einigen düsteren nationalen Engagements sticht der Leigh-Pavillon in den Vereinigten Staaten durch seinen Ehrgeiz, seine produktiven Werte und sein edles Auftreten hervor. Im Inneren befinden sich neue Arbeiten in Keramik und Bronze, die von den Verzierungen abgehen Baja-Masken, ägyptische Grabstatuen und der modernistische Stil von Giacometti und Ernst, die afrikanische (und ozeanische) Skulpturen neu auflegten. (Eine Büste von Leighs Brick House, einem ehemaligen 16 Fuß hohen Gebäude an der New Yorker High Line, befindet sich ebenfalls hier in Venedig, in der Alemani Central Gallery.) Draußen investierte Leigh in einen komplett neuen palladianischen Pavillon mit einem provisorischen Strohdach, das widerhallt die kolonialen Pavillons der Galeriewelt im letzten Jahrhundert.

Die Architektur des Pavillons als historische Anklage umzugestalten oder zu verdecken, ist hier seit Hans Haackes Einbruch in den Deutschen Pavillon 1993 ein verlässlicher Ansatz. Die Innenarchitektur muss noch für sich alleine funktionieren, und Lee ist noch erfolgreicher mit Keramiken wie der großen „jug“ arbeitet White, ein riesiges Remake des Südens Gesichtskrug dessen Oberfläche mit überdimensionalen Muscheln besetzt ist, und das „Rad“, dessen steinernes Gehäuse auf einem großen Bastrock aufliegt Afrikanische Kredite und postkaribisches Zeitalter.

Lees Bronzen sind viskoser und ihre Arbeiten werden klebriger, je symbolischer sie werden: „Last Garment“, eine ehrliche Darstellung einer jamaikanischen Waschmaschinenfrau, die in einem echten Wasserbecken inszeniert ist, gewinnt nichts von ihrer schweren Taille oder ihrer imposanten Größe. Die Art von Interzession in die Geschichte, die Roms Tapisserien von Mirga Tass und Douglas‘ transkontinentale Musik mit solcher Lebendigkeit vollbringen, kommt hier nur sporadisch vor, wie für den Schwarz-Weiß-Film, der ein brennendes Mann-ähnliches Feuer einer von Lees Totem-Skulpturen, der Künstlerin, zeigt muss ihrem ursprünglichen Medium vertrauen.

Also, willkommen zur ungleichmäßigsten und entmutigendsten Biennale in Venedig in jüngster Zeit, die inmitten einer globalen Pandemie zusammenkam und nun unter dem Label European Land War eröffnet wurde. Es war nie klar, dass die Nationalpavillons ein Nebenschauplatz der Biennale Central Gallery sind und dass die neue Kunstgalerie jedes Landes Jahrzehnte nach ihrem Verkauf entsteht. (Der Mut der internationalen Jury, die jeden einzelnen von ihnen sehen musste, wird am Samstag die Biennale-Preise vergeben.)

Ist es Covid? Ich frage mich, ob die Isolation dieser Jahre, die Assimilation unseres Lebens, umgeben von digitalen Bildschirmen, gerade jedes verbleibende Engagement für Kunst als etwas mehr als ein Kommunikationsmittel ausgelöscht hat. Venedig ist jedoch die Stadt, die Epidemien für die ganze Welt definiert hat: das Wort landwirtschaftliche Quarantäne Von Venedig kommend mussten die Schiffe mit der „40 Days“ ihre Arbeit auf dem See einstellen, bevor ihre Besatzungen von Bord gehen konnten. Tizian starb hier 1576 an der Pest, während Thomas Manns „Tod in Venedig“ eine Cholera-Epidemie zum Symbol des gesellschaftlichen Verfalls machte. Jetzt haben wir FFP2-Masken, die innerhalb der Messen obligatorisch sind; Durch den Prosecco beobachten Sie jeden Atemzug für sich. Eine gute Lehre aus Venedig ist, dass Epidemien irgendwann enden. Welche Kunst dabei herauskommt, ist eine andere Frage.